A prima vista, potrebbe sembrare che la Pop Art glorifica la cultura popolare, elevando lattine di zuppa, fumetti e hamburger al rango di arte sulle pareti dei musei. Ma, poi di nuovo, una seconda occhiata può anche suggerire una critica delle pratiche di marketing di massa e la cultura dei consumatori che sono emersi negli Stati Uniti dopo la Seconda Guerra Mondiale.
Andy Warhol per l'oro Marilyn Monroe (1962) riflette chiaramente questa ironia intrinseca del Pop. L'immagine centrale su fondo oro evoca una tradizione religiosa delle icone dipinte, trasformando la stellina di Hollywood in una Madonna bizantina che riflette la nostra ossessione per la celebrità. In particolare il riferimento spirituale di Warhol era particolarmente evidente dato il suicidio di Monroe pochi mesi prima.
In questa luce, non sorprende che il termine "Pop Art" è apparso inizialmente in Gran Bretagna, che ha sofferto grandi difficoltà economiche dopo la guerra. Alla fine del 1940, gli artisti del "Gruppo Indipendente", hanno iniziato ad adeguare immagini idealizzate dello stile di vita americano che si trovano in riviste popolari come parte della loro critica della società britannica.
Origini della Pop Art, tuttavia, si possono far risalire ancora più lontano. Nel 1917, Marcel Duchamp ha affermato che qualsiasi oggetto, incluso il noto esempio di un orinatoio potrebbe essere arte, fintanto che l'artista lo intende come tale.
I maggiori rappresentanti di questa tendenza sono tutti artisti americani: Andy Warhol, Claes Oldenburg, Tom Wesselmann, James Rosenquist, Roy Lichtenstein ed altri. Ed in ciò si definisce anche una componente fondamentale di questo stile: essa appare decisamente il frutto della società e della cultura americana. Cultura largamente dominata dall’immagine, ma immagine che proveniva dal cinema, dalla televisione, dalla pubblicità, dai rotocalchi, dal paesaggio urbano largamente dominato dai grandi cartelloni pubblicitari .
Il desiderio di Robert Rauschenberg a "lavorare nel divario tra arte e vita", per esempio, lo ha portato a incorporare oggetti come cuscini, letti, pneumatici e persino una capra impagliata nei suoi "combine paintings" fondendo le caratteristiche della pittura e della scultura. Allo stesso modo, Claes Oldenburg ha creato "The Store", un impianto in un negozio vuoto, dove ha venduto sculture rozzamente moda di marca dei beni di consumo.
Questi "Proto-pop" artisti erano, in parte contro la struttura rigida critica e filosofie alta che circondavano l'Espressionismo Astratto, il movimento artistico dominante del tempo, ma il loro lavoro riflette anche i numerosi cambiamenti sociali in atto intorno a loro.
Gli anni successivi la seconda guerra mondiale hano visto una crescita enorme dell'economia americana, che, combinata con le innovazioni della tecnologia e dei media, ha generato una cultura consumistica. L'industria manifatturiera cominciò a produrre in serie tutto, dalla lacca per capelli e lavatrici ad automobili e gadged.
Significativamente, lo sviluppo della televisione, così come i cambiamenti nella pubblicità stampa, hanno posto l'accento sulle immagini grafiche e loghi del marchio riconoscibile, qualcosa che oggi diamo per scontato nel nostro mondo visivo saturo.
Il più grosso vantaggio della pop art rimane invece quello di spiegare, senza paura di sporcarsi le mani con la cultura solita, i cambiamenti di valori nella società dal consumismo moderno. Quei cambiamenti che consistono in una acelta di campo per valori legati al consumo di beni materiali e alla rappresentazine di ideali comuni sui valori dell’immagine. E in ciò testimoniano dei nuovi idoli o miti in cui le masse popolari tendono ad identificarsi. Miti ovviamente creati dalla televisione e dai mass-media che proiettano sulle masse sempre più bisogni sempre più impellenti ma privi di siginficato.
E 'in questo contesto artistico e culturale che gli artisti Pop sviluppato un loro stile distintivo dei primi anni '60. In contrasto con le pennellate di vernice gocciolanti e tagliando dell'espressionismo astratto e anche di Proto-Pop art, applicato la loro vernice di imitare l'aspetto delle tecniche di stampa industriali. Questo approccio ironico è esemplificato da punti di Lichtenstein metodicamente dipinti, un processo meccanico utilizzato per stampare fumetti pulp.
Warhol ha iniziato a fare serigrafie(stampe) nel suo studio, giustamente intitolato "The Factory". Allo stesso modo, Oldenburg abbandonò le sue prime installazioni e performance, per produrre le grandi sculture di fette di torta , rossetti e mollette.
